Шапка Obey — Черная с салатовым лого

Курьер по Киеву: 55 грн + услуга «Денежный перевод».

Содержание

Шапка Obey — Черная с салатовым лого

После покупки данного товара на ваш личный аккаунт будут засчитаны бонусы, которыми вы можете оплатить до 50% от стоимости будущего товара.

1 Бонус = 1 Гривна

Вам стоит лишь указать электронную почту (E-mail) при оформлении заказа и система автоматически создаст вам аккаунт, где будет вся информация.

Доставка

Доставка через «Нова Пошта»

Сроки доставки 1-3 дня.

На отделение: от 55 грн + услуга «Денежный перевод».

Курьер по Киеву: 55 грн + услуга «Денежный перевод».

Курьер по Украине: 85 грн + услуга «Денежный перевод».

Бесплатно: если сумма заказа превышает 1000 грн.

Оплата

Варианты оплаты:

Приват 24: номер счета вы получите по смс.

(только после подтверждения заказа с оператором)

Наложенный платеж: оплата при получении товара .

Важно: При оплате на почте будет комиссия за перевод денег 2% и от 20 грн за за услугу «Денежный перевод».

ZooZ.com.ua / Все права сохранены и защищены /

Как использовать баллы?

Суть нашей бонусной системы довольно проста:

Каждый товар имеет зеленую иконку с колчеством баллов, которые вы получите за его покупку.

На примере данной кепки, мы видим, что указано «Бонус + 10» — єто значит, что после покупки данного товара на ваш личный аккаунт будет насчитано 10 Бонусов, которыми вы можете оплатить до 50% от стоимости будущего товара.

1 Бонус = 1 Гривна

Начисление баллов происходит только после того, как человек забирает товар физически с почты или с нашего склада.

Московский музей современного искусства и Студия арт-терапии «САМО» запускают новый совместный курс арт-терапии. Программа будет полезна воспитателям, преподавателям, психологам и социальным работникам как в расширении теоретической и практической базы для продуктивного использования возможностей арт-терапии в своей профессиональной деятельности, так и для самостоятельного развития.

Что значит obey

19 сентября
ММОМА, Гоголевский 10

Во вторник, 18 сентября, в ММОМА на Гоголевском бульваре, 10 открылась первая в России персональная выставка одного из самых влиятельных уличных художников современности Фрэнка Шепарда Фэйри «Форс-мажор».

С открытием в ММОМА команду OBEY Giant и исполнительного директора Музея Василия Церетели пришла поздравить вся светская Москва: Марианна Сардарова, Покрас Лампас, L’One, Амиран Сардаров, Артем Юнусов, Влад Лисовец, Оксана Бондаренко, Ольга Свиблова, Владимир Амлинский, Юлия Космынина, Павел Чекрыжов и многие другие.

Атмосферу вечера и ночи создал партнер открытия — компания Simple. Специально для ММОМА одним из самых ярких бартендеров экзотической Новозеландской барной сцены, Ray Letoa была разработана коктейльная карта. Ray создал коктейли по мотивам работ Фэйри: Hope, WELCOME VISITOR, Golden Future.

После официальной части гости открытия отправились во флагманский магазин adidas Originals, где организаторы проекта устроили вечеринку с музыкальным сетом от DJ Сhagin (Flammable Beats) и самим Шепардом Фэйри.

Проект «Форс-мажор» демонстрирует более 350 произведений, созданных автором в течение последних 25 лет, а также знакомит зрителей с новыми работами, подготовленными специально для выставки в ММОМА. Проект организован совместно с Фондом содействия развитию современного искусства RuArts при участии творческого объединения АРТМОССФЕРА и при поддержке итальянской галереи Wunderkammern.

Московский музей современного искусства — одна из первых институций в России, которая начала эксперимент с объединением музейного пространства и уличного искусства. Так, в 2014 году прошла персональная выставка Паши 183 «Наше дело подвиг!», в 2016 Валерия Чтака «В моем случае — ни в коем случае», а в 2017 совместно с Фондом RuArts — «САЖА». Проект Шепарда Фэйри продолжает выставочную политику, в рамках которой музей изучает феномен уличного искусства и знакомит зрителей с ее представителями.

19 сентября, в первый день работы проекта, в пространстве выставки состоится паблик-ток при участии Шепарда Фэйри. Вход — по предварительной регистрации и входному билету. Проект «Шепард Фэйри. Форс-мажор» открыт до 4 ноября в ММОМА на Гоголевском бульваре, 10.

Фотографии: Никита Бережной, Иван Гущин, Иван Новиков-Двинский.

Московский музей современного искусства и Студия арт-терапии «САМО» запускают новый совместный курс арт-терапии. Программа будет полезна воспитателям, преподавателям, психологам и социальным работникам как в расширении теоретической и практической базы для продуктивного использования возможностей арт-терапии в своей профессиональной деятельности, так и для самостоятельного развития.

‘ data-title=’Курс арт-терапии ММОМА и Студии «САМО»’ data-url=»http://www.mmoma.ru/events/kurs_artterapii_mmoma_i_studii_samo/» data-background=»transparent» data-options=»small,square,line,horizontal,nocounter,theme=04″ data-services=»vkontakte,facebook,twitter»>

Адрес: ММОМА, Петровка 25
Старт: 27 октября, 2017 — до конца 2017 года.
Продолжительность: 72 академических часа, модульная система: занятия проводятся два раза в месяц в течение 9 месяцев.
Занятия проводятся по субботам и воскресеньям с 10:00 до 18:00 с перерывом на обед с 13:00 до 15.00.
Преподаватели: Анна Ше, Екатерина Воскресенская, Александр Рунов и Дарья Боголюбова-Кузнецова

На курсах в ММОМА студенты узнают об истории арт-терапии и возможностях ее применения — в теории и на практике. Учащиеся рассмотрят пути развития арт-терапии от арт-брют до самостоятельной психологической дисциплины, познакомятся с различными подходами внутри арт-терапевтической методологии: от системного семейного анализа до работы с людьми с особенностями в развитии.

Самые активные студенты по окончанию курса будут приглашены на стажировку в Студию Арт-терапии САМО.

Стоимость курса: 60 000 рублей, оплата возможна в два этапа.

Подробности:
education@mmoma.ru
selfstudio.ru@gmail.com
+79032216085

Московский музей современного искусства и Школа современного искусства «Свободные мастерские» приглашают вас на встречу с художницей Ириной Кориной, которая состоится 25 октября в 19:00 в ММОМА по адресу ул. Петровка, 25 в рамках открытой образовательной программы «Из первых рук».

‘ data-title=’ВСТРЕЧА С ХУДОЖНИЦЕЙ ИРИНОЙ КОРИНОЙ’ data-url=»http://www.mmoma.ru/events/vstrecha_s_hudozhnicej_irinoj_korinoj/» data-background=»transparent» data-options=»small,square,line,horizontal,nocounter,theme=04″ data-services=»vkontakte,facebook,twitter»>

ДАТА ПРОВЕДЕНИЯ: 25 ОКТЯБРЯ, 19:00
АДРЕС: ММОМА, ПЕТРОВКА, 25, 4 ЭТАЖ (АУДИТОРИЯ ШКОЛЫ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА «СВОБОДНЫЕ МАСТЕРСКИЕ»)

Ирина Корина — театральный художник, художник-сценограф с особым восприятием мира как сцены, где действие привязано к театральной установке, многослойной структуре. Тотальные инсталляции Ирины Кориной заглатывают зрителя, оказавшегося внутри выдуманного художницей пространства. Используя бытовые материалы, привычные в ежедневном использовании, Корина, с одной стороны, создаёт новые миры, эфемерные и непредсказуемые, с другой — погружает зрителя в повседневность, которую тот уже перестаёт фиксировать. Корина нарочито сталкивает быт и иллюзию, ожидания и реальность. Инсталляции и объекты становятся своеобразными порталами в иные измерения, ссылками на конкретные места, события и даже чувства. Внешняя карнавальность работ Кориной делают их смешными и наивными, но эта форма — лишь путь к принятию, за которым стоит целый спектр переживаний и контекстов.

Ирина Корина (род.1977) — российская художница. Окончила ГИТИС (Российская академия театрального искусства) и курс «Новые художественные стратегии» в ИПСИ (Институт проблем современного искусства), училась в Valand Academy of Fine Arts (Гётеборг, Швеция) и в Академии искусств Вены (Австрия). Лауреат театральной премии «Дебют» (1999), премии «Соратник» (2006, 2009, 2012), премии «Инновация» (2008), финалист «Премии Кандинского» (2017), участница 57-й Венецианской биеннале (2017). Активно выставляется с 2000 года.

СТОИМОСТЬ БИЛЕТА:
400 рублей (льготный — 200 рублей)

КОНТАКТЫ:
+7 (495) 231-27-36
freeworkshops@mmoma.ru

‘ data-title=’ОТКРЫТИЕ ВЫСТАВКИ «ВОЙТИ В РЕКУ ДВАЖДЫ. ЖИВОПИСЬ АНДРЕЯ ЕСИОНОВА» В ГОСУДАРСТВЕННОМ МУЗЕЕ ИСКУССТВ УЗБЕКИСТАНА’ data-url=»http://www.mmoma.ru/events/otkrytie_vystavki_vojti_v_reku_dvazhdy_zhivopis_andreya_esionova_v_gosudarstvennom_muzee_iskusstv_uzbekistana/» data-background=»transparent» data-options=»small,square,line,horizontal,nocounter,theme=04″ data-services=»vkontakte,facebook,twitter»>

14 октября 2017 года в Ташкенте, в Государственном музее искусств Узбекистана, состоялось открытие выставки «Войти в реку дважды. Живопись Андрея Есионова», подготовленная в партнерстве с Московским музеем современного искусства. Основу экспозиции составляют различные акварельные серии художника: традиционные в жанровом отношении пейзажные листы, запечатлевшие географию путешествий Есионова, камерные портреты его родных и друзей, колоритные ташкентские «мизансцены» и другие повествовательно-аллегорические сюжеты, над которыми он работает в последние годы. Выставку дополняют натурные карандашные рисунки, некоторые личные вещи художника, выполненная во время учебы в Ташкенте картина «Трагедия Арла» и фильм, документирующий процесс создания одной акварельной работы.

В торжественном открытии выставки приняли участие заместитель министра культуры Узбекистана Озодбек Назарбеков, директор Государственного музея искусств Узбекистана Васила Файзиева, исполнительный директор Московского музея современного искусства Василий Церетели, директор Государственного музея изобразительных искусств Республики Татарстан Розалия Нургалеева, заведующий Отделом новейших течений Государственного Русского музея Александр Боровский, член президиума Российской Академии Художеств Александр Рожин, кураторы выставки — сотрудники Научного отдела MMOMA Андрей Егоров и Анна Арутюнян, — консультант экспозиции Татьяна Рогова, а также члены семьи художника.

В рамках открытия состоялась лекция Александра Боровского, посвященная международным выставкам современного искусства, и встреча зрителей, журналистов и блоггеров с Андреем Есионовым, Александром Боровским и Александром Рожиным.

Фоторепортаж: Сергей Савчук-Курбанов

‘ data-title=’ФЕСТИВАЛЬ TERRITORIЯ В ММОМА’ data-url=»http://www.mmoma.ru/events/festival_territoriya_v_mmoma/» data-background=»transparent» data-options=»small,square,line,horizontal,nocounter,theme=04″ data-services=»vkontakte,facebook,twitter»>

12 октября — 25 октября
ММОМА ПЕТРОВКА 25

В этом году традицию междисциплинарной практики в рамках стратегического партнерства ММОМА и Международного фестиваля-школы TERRITORIЯ продолжают сразу два проекта, последовательно проходящие на площадке музея на Петровке, 25 — 6-часовая видеоинсталляция греческого режиссера, художника и хореографа Дмитриуса Папаиоанну «Изнанка» и серия 15-минутных спектаклей аргентинского режиссера, драматурга и визуального художника Фернандо Рубио «Все, что со мною рядом».
ММОМА уже не первый год выступает стратегическим партнером фестиваля TERRITORIЯ. Объединение театра и современного искусства в одном пространстве создает платформу для исследования новых практик в художественной сфере, а также расширяет границы и возможности искусства. Примером тому могут служить совместно реализованные яркие проекты на различных площадках Москвы под кураторством Олега Кулика и Руслана Маликова, Ксении Перетрухиной, Бретта Бейли и Дмитрия Волкострелова.

Читать еще: Как правильно подобрать бюстгальтер для большой груди

Режиссер: Димитриус Папаиоанну
ММОМА ПЕТРОВКА 25

Видеоинсталляция, продолжительность: 6 часов.
Возрастное ограничение: 18+
Расписание: 13 октября 18:00 — 00:00, 14 октября 12:00 — 00:00, 15 октября 12:00 — 00:00

Осмысляя повседневную рутину, греческий художник Димитрис Папаиоанну предлагает зрителям найти ответы на вопросы, что хорошего в повседневных ритуалах? Можно ли найти поэтику в самых обычных действиях? Почему наблюдать за другими интереснее, чем делать самому? И насколько у каждого из нас разнится сама рутина и ее ежедневное выполнение?

В 2011 году Папаиоанну построил комнату внутри театра «Паллас (Афины). Тридцать перформеров на протяжении двадцати ночей приходили туда, чтобы, сняв верхнюю одежду и разувшись, принять душ, вытереться полотенцем, пойти на кухню, что-нибудь съесть или выпить, постоять на балконе, посмотреть по сторонам, вернуться в комнату, лечь, укрыться одеялом — и так далее. Последнюю ночь режиссер зафиксировал на камеру, превратив в 6-часовую видеоинсталляцию.

Увлекательный эксперимент снят одним кадром и представляет из себя визуальную медитацию, которая показывает удивительное сходство поведения совершенно разных людей, оказавшихся в одном пространстве. Перенесенная в экспозиционное пространство музея инсталляция Димитриса Папарианну предлагает зрителю отнестись к построенному им дому как к выставочному залу, а к разыгрываемому там спектаклю — как к выставке. Из чего следует, что смотреть его надо так, как будто разглядываешь картину, — внимательно и в то же время отстраненно.

Димитрис Папаиоанну — режиссер, перформер, художник, мультипликатор, сценический дизайнер, хореограф, танцовщик буто. Вот уже более тридцати лет он работает и экспериментирует на стыке современного танца, физического театра и сценического искусства. Но, конечно, один из главных фактов его творческой биографии — то, что именно Папаиоанну был режиссером-постановщиком церемонии открытия и закрытия Олимпийских игр в Афинах и получил за это премию Золотой Крест и Орден Почета. В 2014 он стал хореографом года по версии журнала «Danza&Danza». С «Изнанкой» (и со своим новым перформансом) Папаиоанну дебютировал на Голландском фестивале в 2017 году.

ВСЕ, ЧТО СО МНОЙ РЯДОМ

Режиссер: Фернандо Рубио
ММОМА ПЕТРОВКА 25

Продолжительность одного сеанса: 15 минут
Возрастное ограничение: 18+
21 октября: 14:00 / 14:30 / 15:00 / 15:30 / 17:00 / 17:30 / 18:00 / 18:30 / 20:00 / 20:30 / 21:00 / 21:30
22 октября: 14:00 / 14:30 / 15:00 / 15:30 / 17:00 / 17:30 / 18:00 / 18:30 / 20:00 / 20:30 / 21:00 / 21:30
23 октября: 19:00 / 19:30 / 20:00 / 20:30
24 октября: 19:00 / 19:30 / 20:00 / 20:30

Аргентинский режиссер Фернандо Рубио в своем спектакле «Все, что со мной рядом» сосредоточился на поиске максимально тесного из возможных контакта зрителя с исполнителем, экспериментируя с такими понятиями, как «личные границы», «психологически комфортное расстояние» и «приличия». Каждый сеанс проекта длится 15 минут и предлагает испытать себя не только гостям, но и актерам-участникам спектакля, которых режиссер набирает в том городе, где проходит спектакль. Зрителям и актерам предлагается оказаться друг с другом в постели, пожалуй, самом интимном месте в мире, чтобы испытать, насколько быстро они смогут преодолеть смущение и найти общий язык.

По замыслу Рубио это из ряда вон выходящее событие должно вернуть участников в детство, в состояние покинутости, отторгнутости матерью (или родителями вообще). Но может ли другой человек помочь нам преодолеть одиночество? Способны ли мы сами моментально разрушить стереотипы и пойти на контакт? Объектом внимания зрителей становятся они сами, их тела, переживания и воспоминания.

Фернандо Рубио — известный аргентинский режиссёр, драматург и визуальный художник родом из Буэнос-Айреса. В своих творческих проектах особое внимание уделяет взаимоотношениям между зрителем, перформером и пространством. Его работы были представлены на международных театральных и кинофестивалях, в музеях, арт-центрах, театрах и общественных пространствах по всему миру. В 2001 Рубио создал компанию «Интимный странствующий театр», вместе с которой и путешествует по миру.

Спектакль идёт на русском языке

Московский музей современного искусства приглашает вас на презентацию и последующее обсуждение книги Евгения Барабанова «Метагеометрия художника Штейнберга». Книга выпущена в рамках издательской программы ММОМА и подготовлена совместно с Фондом AVC Charity.

‘ data-title=’«Метагеометрия художника Штейнберга». Презентация книги Евгения Барабанова и обсуждение’ data-url=»http://www.mmoma.ru/events/metageometriyahudozhnikashtejnbergaprezentaciyaknigievgeniyabarabanovaiobsuzhdenie/» data-background=»transparent» data-options=»small,square,line,horizontal,nocounter,theme=04″ data-services=»vkontakte,facebook,twitter»>

ММОМА ПЕТРОВКА 25
9 октября, 19:00 — 21:00

Участие в мероприятии бесплатное, по предварительной регистрации

Книга Евгения Барабанова «Метагеометрия художника Штейнберга» является продолжением издательского проекта, приуроченного к юбилейной выставке Эдуарда Штейнберга в Московском музее современного искусства «Если в колодце живёт вода. » (куратор Наталья Смолянская), проходившей с 7 февраля по 19 марта 2017 года. В своей книге Евгений Барабанов подробно исследует переходы Эдуарда Штейнберга от одного этапа творчества к другому, называя эти процессы «преобразованиями», «трансформацией». Его изыскания, безусловно, важны как для зрителей, которые только собираются открыть для себя новое имя, так и для профессионалов. Тщательный анализ Барабанова даёт возможность изучить отправные точки, полюсы формирования пластического языка художника, платоновское и неоплатоническое наследие в геометрии Штейнберга, а также влияние на его работы живописного наследия Малевича и Кандинского. Не менее важна глава книги о труде зрителя, в которой искусствовед предупреждает о важности «видеть невидимое», готовности к парадоксам, отказам от прямолинейной логики привычного.

Тема последующей за презентацией дискуссии — вопросы и перспективы научного исследования неофициального искусства, его место и роль в советской и постсоветской культуре, а также в контексте искусства ХХ века, рецепция художественного наследия искусства андеграунда искусством актуальной эпохи, соотношение выставочных и исследовательских стратегий.
Московский музей современного искусства уделяет особое внимание искусству художников-нонкомформистов. В собрании музея представлены многие ключевые произведения мастеров неофициального искусства, за последние годы в музее состоялся ряд выставок как персональных, так и групповых, посвященных различным направлениям, противостоящим официальной линии развития советского искусства. К выставкам подготовлены и выпущены научно-исследовательские издания: альбомы, каталоги, монографии. В создании этих проектов с музеем сотрудничали известные кураторы и историки искусства.

В ходе дискуссии предлагается обобщить этот опыт и обсудить некоторые тенденции, которые выявляют эти выставочные и издательские проекты.

Модератор дискуссии: Леонид Александрович Бажанов, искусствовед, историк искусства, куратор, арт-критик, специалист по современному искусству второй половины XX — начала ХХI века.

Участники дискуссии:

Евгений Викторович Барабанов, искусствовед, историк русской философии и литературы, почетный доктор теологии Тюбингенского университета.

Галина Иосифовна Маневич, кандидат искусствоведения, член Союза писателей России. Автор книги «Опыт благодарения» и многочисленных статей по вопросам культуры, искусства, литературы, кино. Автор биографий художников Анатолия Зверева, Владимира Немухина, Оскара Рабина, Михаила Рогинского, Михаила Шварцмана, искусствоведа Индржиха Халупецкого.

Ирина Геннадьевна Горлова, искусствовед, куратор, завотделом новейших течений Государственной Третьяковской галереи

Анна Юрьевна Чудецкая, кандидат искусствоведения, куратор, старший научный сотрудник отдела личных коллекций ГМИИ им. А.С. Пушкина

Майя Александровна Авеличева, куратор, Президент благотворительного фонда AVC Charity.

Книга «Метагеометрия художника Штейнберга» ждeт читателей в MMOMA ART BOOK SHOP на Петровке 25.

Издательская программа ММОМА — одно из приоритетных направлений деятельности Московского музея современного искусства, существующее с момента его основания. За 17 лет под эгидой издательской программы ММОМА было выпущено более 200 книг, призванных отразить и зафиксировать актуальные художественные процессы в России и мире: каталоги выставок и издания, посвященные коллекции ММОМА, монографии ведущих современных российских и зарубежных художников. В том числе: исследовательская трехтомная энциклопедия «История Российского видео-арта», книга «Пути немецкого искусства с 1949 года по сегодняшний день», монографии Йозефа Бойса, Хуана Миро, Стефана Балкенхола, Эдуарда Штейнберга, Юрия Альберта и Андрея Бартенева; каталог масштабного выставочного проекта Виктора Мизиано «Невозможное сообщество», издания к выставкам Товарищества «Новые тупые» и Товарищества «Искусство или смерть». Все издания доступны в книжном магазине MMOMA ART BOOK SHOP и в публичной библиотеке в ММОМА ПЕТРОВКА 25. Полный каталог книг и электронные версии ряда изданий представлены на сайте ММОМА.

В то же время граффити-культура всегда была такой. Обычно, всегда есть кто-то, кто недоволен по каким-то причинам, реально существующим или надуманным. Занимаясь стрит-артом, ты всегда имеешь дела с худшей стороной во всех проявлениях. Владельцы зданий не хотят, чтобы на них красовались твои работы. Рабочие хотят быстро закрасить их. Копы хотят тебя арестовать. Другие художники хотят испортить твою работу (просто из зависти). Все указывает на то, что этим делом заниматься не стоит. Тем не менее, я уже не могу не заниматься этим. Я работаю, потому что действительно все еще вижу много позитивных сторон своего дела. Будет ли сплэшер поганить мои работы или не будет, я все равно буду заниматься этим. Чтобы засплэшить все, что я сделал за одну ночь, им потребуются месяцы, и все равно им не испортить всего. По-любому у меня потребность творить больше чем у них. (смеется)

Obey, он же Шепард Фейри

Вашему вниманию предлагается интервью с Шепардом Фейри, панком, скейтером и стрит-арт художником. Он занимается артом многие годы и легенда в своей среде, однако широкой публике он стал известен не так давно – по большей части, как автор знаменитых постеров HOPE с Обамой и Walk the Line c Джонни Кэшем. Интервью было сделано Мануэлем Бэйо, журналистом в августе 2007-го года.

В середине 80-х скейт-культура начала набирать обороты, подогреваемая панк-роком, скейтерскими зинами и подростками, которые во всем этом участвовали. Среди них был и Шепард Фейри. Для некоторых молодых людей это было просто мимолетное увлечение, которое длилось год-другой, но для Шепарда это превратилось в целую культуру. Из мира становления андеграундного скейтбординга и панк-рока, он влился в мир контр-культурного пропагандистского стрит-арта.

В свои 30 с гаком Шепард Фейри живет по панку, что находит отражение в его собственных стрит-арт кампаниях, выставках и перформансах по всему миру. Его почерк – темные полутона ироничного поп-арта, в сочетании с кричащими заголовками. Невозможно отрицать то, что его работы имеют смысл и оставят след в вечности. Шепард Фейри больше, чем художник, он еще и панк-активист, и что-то подсказывает мне, что у него нет в планах останавливаться в ближайшее время. Об этом говорит и его шоу в Лондоне в Stolen Space Gallery.

Итак, Шепард, сначала скажи-ка мне, как пацан, чей папа был капитаном футбольной команды, а мама главным чир-лидером школы, вырос и превратился в грязного панка-скейтера?

Читать еще: Как одеться на выпускной

Шепард: (смеется) Я рос в Южной Каролине и где-то в 1983 году у некоторых из моих друзей появились скейты. В Чарльстоне серфинг был более популярен, скейтбординг же болтался где-то в хвосте. Мне кажется, люди начали покупать скейты просто как модные игрушки, никто не воспринимал это серьезно. Я тоже думал “да ну нафиг, идиотизмкакой-то, я не собираюсь участвовать во всем этом”. Но я говорил это до тех пор, пока один из моих друзей не оставил скейт возле моего дома. Я попробовал покататься туда-сюда, что привело меня в щенячий восторг.

Раньше я занимался теннисом, американским и европейским футболом, и прочими вполне обычными видами спорта. Я просто терпеть не мог, когда мне приходилось звать кого-нибудь, чтобы погонять в футбол или еще чего, так что, когда я начал кататься, я был рад, что могу это делать один. Скейтбординг нефигово творческий вид спорта, и я думал “да ну в жопу, не буду никого звать”. И тогда, на свой четырнадцатый день рождения, 14-го февраля 1984-го года, я получил скейт в подарок. Моя мама не слишком-то хотела покупать мне его, но она сказала, что, если я заплачу половину, то она тоже добавит денег. Мои родители считали, что на скейтах катается одно хулиганьё, ну, я думаю, они были правы.

В тот день, я поехал в серф-шоп, и это было как раз в день привоза Skate Visions’ – самого первого скейтерского видео. Я выбирал свой скейт под музыку Agent Orange. Когда я смотрел это скейт-видео, из-за трюков,которые делают там, но которые я до этого никогда не видел, мне хотелось кататься все больше и больше. Ну, и, конечно, панк-рок в саундтреке. Я думал “блин, я должен достать и музло тоже”. Думаю, именно тот день очень сильно сформировал то, чем я занимаюсь сейчас. Что, в общем-то, полное безумие, правда? В смысле, если бы мой друг не оставил свой скейт возле моего дома, я бы не стал тем, кто я есть.

Как ты думаешь повлияли на тебя скейтбординг и панк-рок в творческом плане?

Шепард: С того самого дня все, до чего мне было дело – это скейтборд и панк-рок, и мои родители ненавидели это. Однажды я тайком пробрался в школу, чтобы взломать шкафчик одного своего приятеля, потому что он сказал, что у него там лежит журнал Thrasher. Все просто болели скейтбордингом. Тогда все значило гораздо больше, и если тебе удавалось достать кассету Sex Pistols или Black Flag, или еще какую-нибудь запись, то это значило, что тебе пришлось изрядно потрудиться, и что ты можешь гордиться проделанной работой.

Ну, и скейтбординг в 80-е был просто супер DIY. Вот так я и пришел к тому, что начал делать футболки и принты. Сначала я резал трафареты для стенсила и раскрашивал футболки баллончиками. Потом я узнал, что у моего препода по изобразительному искусству в задней комнате стоит примитивный аппарат для трафаретной печати, которым никто не пользовался. С помощью всего этого, в короткий период с 84-го по 85-й годы был дан старт моей карьере.

Я на несколько лет младше, но, тем не менее, я тоже прошел всю дорогу революции скейтборда, я еще застал носы на досках толщиной в дюйм, помню, как большие олдскульные компании вроде Powel Peralta и Vision уступали ньюскульным Blind, Plan B и H-Street, так что я понимаю, о чем ты.

Шепард: Да-да, это было как раз то время, когда скейтбординг действительно был чем-то невероятным. Культура прогрессировала с каждым новым номером журнала, с каждым новым видео. Все, что происходило, было просто обалденно. Я действительно думаю, что в этот период вершилась революция этой культуры. И я по-прежнему считаю, что скейтбординг это замечательно, просто все уже наелись им.

Я знаю, что видео от Vision Skateboards числятся среди твоих первых влияний. Затем в начале 90-х вместе с приходом скейт-революции и потерей главного протагониста Марка “Гатора” Роговски, видео от Visions потеряли всякую ценность. А потом в 2003 году вышел фильм Хелен Шиклер “Stoked”, в котором рассказывается о том времени и событиях, которые привели к падению Гатора. Каково тебе было участвовать в брэндинге и оформлении этой документалки?

Шепард: Я уже упоминал Vision видео раньше, и Гатор был звездой этой съемки. Так что, да, действительно, я просто поклонялся Гатору в 80-х, потом, когда Visions скурвились, я просто перешел на другие видео. Но для скейтборд-коммьюнити это была просто жесть, когда он убил свою подружку и попал в тюрьму. Очень печально, да, и все кто был хоть как-то связан со скейт-индустрией старались молчать об этом случае, потому что вся история выставляла скейтбординг не в самом лучшем свете.

Что интересно, так это то, что в 1993 году я делал оригинальный дизайн на тему Гатора, где надпись Obey вписывалась в закручивающуюся спираль. Затем в 1995-м Хелен сняла документалку о моей работе и у меня в студии нашлось много всяких скетчей и моделей, о которых она хотела узнать подробнее. Она лишь краем уха слышала историю Гатора и очень заинтересовалась ею. Она начала изучать эту тему и фактически работала над ней следующие семь лет. Она действительно много вложила в этот фильм, и я не думаю,что кому-либо хоть как-то удалось прикоснуться к тому, к чему прикоснулась она, снимая эту документалку. Так что для меня было удивительно то, что я частично направил и воодушевил ее на эту работу. Когда я оформлял эту работу, я делал ее в стиле того времени и вдохновлялся вещами, которые окружали меня именно в то время, и это было очень круто, полный сюрреализм.

Я знаю, что ты вырос в Южной Каролине, а потом поступил в Род-Айлендский гуманитарный институт. Скажи, что, в конечном счете, привело тебя в Южную Калифорнию?

Шепард: Многое из того, о чем мы уже с тобой говорили. Я всегда пристально следил за тем, что происходит в скейтборд-индустрии, и живя в Южной Каролине или Род-Айленде, мне было сложно следить за тем, что действительно происходит. Когда я жил в Род-Айленде я работал на компанию под названием Jobless Antiwork Wear и делал для них дизайны принтов для футболок. И все мне говорили, что ты не сможешь ничего добиться в скейтбординге, пока не переедешь в Калифорнию, потому что в то время именно там была вся движуха. Затем я познакомился с Энди Хауэлом, я знаю, что ты знаешь, кто это. Он сказал мне: “Эй, чувак, слушай, если тебя реально парит Род-Айленд, так почему бы тебе не свалить оттуда?” Я, естественно, не задумываясь, воспользовался возможностью и не только ради того, чтобы жить и работать бок обок с одним из моих кумиров, но и ради того чтобы жить в самом центре культурных событий того времени.

Я забомбил много стен на восточном побережье и я думал, что Калифорния станет для меня новым местом, где я смогу развернуться по полной. Я провел какое-то время в Сан-Франциско, и мне очень понравилось, потом переехал в Сан-Диего, и, в конце концов, оказался в Лос-Анджелесе. Обожаю Эл Эй, отличная погода и здесь всегда что-то происходит. Но изначально именно скейт-культура привела меня сюда.

Будучи панк-активистом, озабоченным проблемой современного общества потребления, чувствуешь ли ты внутренний конфликт, когда берешься за проекты, которые тебе заказывают крупные киностудии, рекорд лейблы или любые другие корпорации-гиганты?

Шепард: Единственное, что меня парит, так это то, как люди любят делать из мухи слона. До меня доходят слухи вроде: “Мдаа, он сделал дизайн для Mountain Dew и заработал миллион долларов”. Это полная чушь. Действительно забавно, как эти ребята любят преувеличивать. Для меня существует единственное правило, я не буду браться заработу, которую мне предложат клиенты, с которыми у меня моральный и этический конфликт. Ребята из Hummer предлагали мне работу, ребята из Camel Cigarettes предлагали мне просто кучу всякой дерьмовой работы, от которой я отказался, потому что не согласен с ними. Ну, и вообще, мне есть чем заниматься. Я не считаю, что от денег за такую работу нужно отказываться, к тому же, как правило, еще целая куча дизайнеров хотят ее получить.

Знаешь, я не собираюсь побуждать людей на то, чтобы они прекращали пить напитки содержащие кофеин. Но если я получаю деньги от крупных компаний,то я могу финансировать другие свои проекты типа крупных стрит-артовых кампаний, которые стоят немало, или галерею, которой я владею здесь в Лос-Анджелесе, и которая не приносит прибыли. Проекты, которые не окупаются, но имеют непосредственное отношение к искусству и политике, это то, на что я бы хотел обратить внимание общества.

Нет, ну, мне конечно хотелось бы, чтобы люди больше разбирались в том, что они потребляют, или были в курсе всех теневых манипуляций капитализма, но тем не менее я не анти-капиталист. Грустно то, что для многих людей существует либо черное, либо белое, типа: “Ах, как это плохо работать на корпорации”, а сами в это время просиживают свои задницы в какой-нибудь компании, работая, на ту же самую систему, на чужих условиях. Вот в чем разница, я сам себе хозяин и работаю на своих условиях, следовательно имею больше контроля над ситуацией. Стану ли я жертвой капитализма, или буду использовать его своих целях, вот в чем вопрос.

В этом деле, конечно, много тонкостей, но всегда найдется чувак, который скажет: “Да ладно, он просто гонит”. А при этом, он раз в месяц спускается к почтовому ящику в своем колледже, чтобы получить папочкины деньги.

Жить в реальном мире значит, что тебе придется жить бок о бок со всеми проявлениями капитализма (по крайней мере в этой стране), так что я просто пытаюсь взаимодействовать с ним самым конструктивным, по моему мнению, способом. Как я уже говорил, я отказывался от многих работ, потому что я не согласен с их мессаджем, да и ко всему прочему это отбирает время у арт-проектов, которыми я действительно хотел бы заниматься.

Я уверен, ты можешь понять, каково это быть дизайнером или художником, который работает сам по себе. Некоторые проекты, например, грех упускать. The Smashing Pumpkins попросили меня сделать обложку для их нового альбома (альбом Zeitgeist, для которого Шепард делал кавер-арт вышел в июле 2007-го, – прим. пер). Когда покопался в истории и дискографии группы, я согласился. Тем более именно эта запись очень близка мне по духу и политике, которой я придерживаюсь. Так почему бы мне не взяться за такую работу? По мне так отличнейшая возможность.

Читать еще: Нанесение теней на веки. Как правильно наносить тени для век

Я помню, как в 1995 году, я купил семидюймовую пластинку, в конверт которой был вложен твой стикер с Гигантом Андре (знаменитый в 80-х годах реслер, в 1993-м своим именем он открыл мировой зал славы реслеров, – прим. пер), это стало моим первым знакомством с твоими работами. Затем, через пару лет, я увидел ту рекламу на MTV, в которой вход в метро появлялся в неожиданных местах, типа в парке там и все такое. И там на знаке “Вход в метро” большой постер OBEY. Как так получилось, что твоя работа попала на MTV?

Шепард: Короче, по поводу пластинок. Я типа всегда распространял свои стикеры в андеграундной панк-тусовке. Многие команды говорили мне о записях, которые они собирались выпускать, ну, и я печатал пару тысяч стикеров, а они вкладывали их в конверты с пластинками. Ну, да, это стоило мне порядочную сумму, но я знал, что стикеры вместе с пластинками попадут в руки крутым чувакам. Это что-то типа моей философии – распространение мерча даже на самом низком уровне. Потом закрутилась вся эта штука с MTV.

Я был в Нью-Йорке и один парень, который работал на MTV сказал: “Хэй, мэн, а мы можем снять как ты фигачишь свои постеры на стены, а потом запустим это как заставку на MTV”. Знаешь, многие платят сотни тысяч долларов, чтоб их материал транслировался на MTV, а они предложили мне сделать это бесплатно, но фишка в том, что мне не очень-то хотелось участвовать в этом. Так что я ответил им: “Послушайте, вот несколько постеров, и вы, ребята, можете делать сними все, что захотите”, чем они и воспользовались. Они просто быстро сняли, что хотели и пустили ролик в эфир.

Когда какие-нибудь ребята из Канзаса видели этот ролик и говорили: “Че это за херня?”, это было просто как бальзам на душу. И естественно, всякий “тру” молодняк говорил, что я продался MTV, а я ни цента от них не получил, и они от меня тоже не получили ни гроша. Просто каким-то чувакам, работавшим на MTV понравилась моя работа и они захотели ее использовать, а я дал на это согласие. Я имею в виду, что для меня все вертится вокруг моего проекта, и мне важно, чтобы его увидело как можно больше народу, так что этот ролик был отличной мазой показать мою работу, и многие, надо сказать, обратили на это внимание.

А еще я помню, тоже в середине девяностых, я ехал по шоссе через Аризону, я тогда еще не знал о тебе, и там я увидел огромный биллборд и стоял он примерно в 50 милях от ближайшего города, который ни малейшего представления не имел о тебе, зато, видимо, знал саму картинку, что подводит меня к следующему вопросу. В те времена, ты рассылал постеры и прочий Obey-стафф по всей стране, чтобы разрекламировать самого себя и то, что ты делаешь?

Шепард: Я всегда старался сделать все возможное, чтобы о том, что я делаю узнало как можно больше народу. Любой, кто писал мне и хотел получить стикеры, постеры и т.п. получал их. Часть продаваемых футболок и постеров покрывала расходы на всю ту хрень, которую я раздавал бесплатно. Я оптимист, так что если кому-то нравится, то, что я делаю, тогда я обязательно отошлю ему или ей этот продукт. Как правило, это работает и о продукте узнает много народу. Вероятно, кто-то даже врубится в него и вложит что-то свое в те идеи, которые я продвигаю уже много лет, или, возможно, я сам, так или иначе побудил кого-то узнать о проблеме больше. Меня от этого сильно прет. До сих пор я живу по панку и DIY, и буду так жить, не важно каких масштабов будут достигать мои кампании.

Я знаю, что поп-культура оказала огромное влияние на твои работы, но раньше я слышал, что в твоих работах были отсылки к известным графитчикам вроде ESPO или Futura. Скажи, насколько сильно повлияло на тебя граффити?

Шепард: Ну, в самом начале граффити действительно оказало большое влияние на меня, потому что я был в тусовке и видел на что люди идут, чтобы показать всем свое искусство. И просто посмотрев на парня вроде Revs, который забомбил половину Нью-Йорка, ты начинаешь говорить себе, что такое действительно возможно. Уровень граффити, который они показывали на улицах был просто поразительным, они давали людям возможность оценить свое искусство, а не молча ждали звонка от галериста. На улицах нет бюрократии, я просто мог делать,что хотел и таким образом показать людям свою работу.

Тебя сравнивают с поздним Энди Уорхолом, что ты думаешь об этом, и как Уорхол повлиял на тебя?

Шепард: Да, я знаю, что сравнивают. Я очень люблю Уорхола и мне всегда льстит, то, что меня с ним сравнивают, но все-таки Уорхол только один. То, что он сделал, он сделал в определенное время, и это потрясло мир искусства из-за того, когда это было сделано. И сейчас, поп-арт это уже не так революционно, потому что Уорхол уже сделал это. Если что, то я просто хочу быть продолжателем дела Уорхола. Только я пошел дальше, пусть не только арт-коммьюнити видит, что происходит в искусстве, пусть это видят все, любой может составить свое мнение об искусстве, видя его на улицах. Мне кажется многие люди боятся искусства, но уличные полотна, если позволите, говорят гораздо менее пугающие. Так что, я надеюсь, что в какой-то степени, я просто расширяю влияние искусства, которым занимался Уорхол.

Джонни Кэш однажды сказал, что он носит черное, потому что мир черный. Насколько черным стал наш мир за последние семь лет?

Шепард: Ну, я тоже черное ношу, но это потому что у меня руки в краске, а черный это скрывает. Я люблю Джонни Кэша, я даже делал постер для Walk the line (биопик о Джонни Кэше, в российском прокате шел, как «Переступить черту» – прим.пер.). У нашего мира всегда было много проблем. Мы все, люди, раз за разом совершаем одни и те же ошибки, но всегда есть возможность измениться. Делать добро и реагировать на зло. Это как раз то, чем я пытаюсь заниматься. Мне действительно кажется, что выбора у меня особо нет, и как художник я пытаюсь общаться и высказывать свою точку зрения через свои работы.

Сейчас очень много засплэшеных картин на улицах Нью-Йорка (сплэшинг, сплэшер, – от англ splashing, splasher, – разбрызгивание краски, которым специально портят стрит-арт работы, – прим.пер.) и на Спринг Стрит есть одна картина, которую в течении нескольких лет регулярно портят. И даже пару месяцев назад её опять засплешили вместе с многими другими. Что ты думаешь о сплэшинге?

Шепард: Очевидно, есть те, кто ходит и закрашивает весь стрит-арт, который им не нравится и таким образом оставляет свой маленький манифест вроде «Искусство дерьмо, посыл ваш дерьмо и все-такое прочее». Это не цитата, я просто перефразировал. В любом случае, для меня это просто кто-то, возможно неудавшийся художник, который знает достаточно об искусстве, чтобы выйти на улицу и сделать что-то такое, что расстроит людей, которые действительно сделали смелую попытку выставить свою работу. Для меня это чистое разрушение. Ничего позитивного в этом нет.

В то же время граффити-культура всегда была такой. Обычно, всегда есть кто-то, кто недоволен по каким-то причинам, реально существующим или надуманным. Занимаясь стрит-артом, ты всегда имеешь дела с худшей стороной во всех проявлениях. Владельцы зданий не хотят, чтобы на них красовались твои работы. Рабочие хотят быстро закрасить их. Копы хотят тебя арестовать. Другие художники хотят испортить твою работу (просто из зависти). Все указывает на то, что этим делом заниматься не стоит. Тем не менее, я уже не могу не заниматься этим. Я работаю, потому что действительно все еще вижу много позитивных сторон своего дела. Будет ли сплэшер поганить мои работы или не будет, я все равно буду заниматься этим. Чтобы засплэшить все, что я сделал за одну ночь, им потребуются месяцы, и все равно им не испортить всего. По-любому у меня потребность творить больше чем у них. (смеется)

Какие места сейчас самые популярные для стрит-артистов?

Шепард: Ну, я все еще бомблю, но в Лос-Анджелесе уже не так как раньше, здесь я больше занят подготовкой и работой над своей галереей. Пару месяцев назад я побывал в Сан-Франциско, там побомбил, ну, и в Нью-Йорке, конечно. Я все еще очень активен, но у меня уже гораздо меньше свободного времени, чем раньше. Я все еще выставляю свои работы на улицах, я думаю, я занимаюсь большим количеством всякого дерьма, чем все эти детки, которые должны по идее делать то же самое. Я просто пытаюсь выкроить время для всего. Немного времени для улиц, немного для журнала, для одежды и всего остального, что там прилагается. Стараюсь отрываться по полной. Живем только раз.

Итак Шепард, мы подошли к концу, у тебя есть какая-нибудь сакраментальная фраза для потомков?

You should visit a doctor. — Вы должны (вам следует) сходить к врачу.

It should rain tonight. — Вечером должен пойти дождь.
Мы ожидаем, что вечером пойдет дождь. Должно быть, так и будет!

Фразы had better, ought to, be supposed to в описанных выше ситуациях можно использовать как эквиваленты should.

Mary should work hard. — Мэри должна упорно работать.
Mary had better work hard. — Мэри должна упорно работать.
Mary ought to work hard. — Мэри должна упорно работать.
Mary is supposed to work hard. — Мэри должна упорно работать.

Источники

https://zooz.com.ua/shapka-obey—chernaja-s-salatovim-logo
https://mmoma.ru/events/otkrytie_vystavki_sheparda_fejri_obey_forsmazhor_v_mmoma_gogolevskij_10/?p=49
https://vivacity.ru/streetart/obey_interview/
https://www.dinternal.com.ua/grammar/modals-verbs/modal-verbs-5/