Найдите компромисс. Есть современные художники, которые создают смысл более эстетическим способом. Сам Бэнкси часто делает это с изысканностью. Кроме того, девушка с шариками так хороша!
Современное искусство: что это такое и как разобраться в нем
Современное искусство завораживает, притягивает и отталкивает одновременно. Чтобы понять его, нужно сначала разобраться, а что такое «современное искусство»? Что скрывается за этим столь привычным термином?
Кажется, что нет ничего проще — все искусство, которое происходит вокруг нас, является современным искусством. Да и нет одновременно.
Что называют современным искусством в России и на Западе
В России современное искусство применяется с конца 19 века по настоящее время, включая модернизм и постмодернизм. На Западе — период с 1960-х годов до десятилетий ХХ века.
Термин «современный» впервые применила к искусству в конце 1960-х годов Розалинд Краусс, американский теоретик и критик, дав новой эпохе звучное название «contemporary art» (в переводе на русский — современное искусство). В России термин «современное искусство» часто использовался в 1990-х годах, но не прижился.
Розалинд Краусс
В нашей стране большинство людей в настоящее время ориентированы на Запад, поэтому эра современного искусства в нашей стране началась в 1960-х годах.
Но в любом случае, корни современного искусства в наши дни уходят в модернизм, поэтому стоит немного поговорить об этом.
Во всем виноваты импрессионисты
Даже термин «современное искусство» дает понять, что это искусство, которое движется в ногу со временем и отражает реальность. Но у каждой эпохи есть свое настоящее. С 1960-х годов, когда начался технический прогресс, художники были загнаны в рамки классических традиций и норм. Тогда родилось современное искусство.
Все началось с Эдуарда Мане и его картины «Завтрак на траве», которая потрясла публику в 1863 году и стала предтечей многих новых направлений искусства, которые позже были объединены под названием модернизм. Художники активно искали новые способы воплощения своих замыслов.
Эдуард Мане «Завтрак на траве», 1863 г.
Более того, современное искусство передает чувство сопричастности, ощущение себя на пике модернизма: оно податливо, изменчиво, развивается здесь и сейчас, и зритель растет вместе с ним. Не случайно музеи современного искусства, расположенные почти во всех крупных столицах мира, пользуются большой популярностью.
А где смысл?
Хорошо, давайте изучим этот вопрос подробнее. Люди говорят мне, что та или иная работа полна идей и философских мыслей….. но они никогда не говорят, какие именно, и уж точно не могут объяснить, какую философию они в него заложили. Или его вообще не ставили? Возможно, это не произведение искусства, а пятна, нанесенные большой кистью или в лучшем случае малярной щеткой. В худшем случае это могут быть элементарные пятна краски пальцем или рукой. Предпочтительно рукой, но есть и примеры, когда можно использовать ногу или, простите, задницу….. но и с любой частью вашего тела. А некоторые фрики привлекают внимание к своей работе, создавая свои «шедевры» из знакомых частей тела…. (Примеры таких работ можно найти в Интернете).
Однако многие скажут, что важно не то, как он был создан, а то, что получилось в итоге. Я согласен с вами, как и что не имеет значения. Некоторые даже используют вместо краски собственную кровь или пепел.
Многие люди находят философию почти в каждом представленном «шедевре». Главное, что автор говорит, что это произведение высокого искусства и что вы быстро найдете там новую идею. Философию, однако, можно найти в чем угодно, даже в чистом белом листе или, тем более, в отсутствии этого самого белого листа. Философия просто витает в воздухе, повсюду, оправдывая все.
Все мы часто смотрим на потолок или стены перед сном и создаем целые книги мыслей о пятнах на стенах. Часто можно услышать такое: «Я стоял перед этой картиной полчаса и начал видеть вселенную с неограниченным пространством. Но подождите, если поставить человека перед белой стеной и заставить его смотреть на нее в течение двух часов, он обязательно начнет видеть там всю суть мироздания, сцены из прошлого, будущего и так далее. Это будет плод воображения человека. И это вовсе не означает, что эта стена была расписана только каким-то неизвестным гением художников. Это самая обычная стена, как-то оштукатуренная и не более того.
Отличается ли так называемое «современное искусство», которое покрылось плесенью более чем за столетие, от этой белой стены, как ее воспринимает человек? Нет! Это не другое! Человек видит на холсте то, что хочет видеть, а не то, что показывает ему художник. Это может быть шедевр гения, но может быть и самая обычная картина, выполненная левой ногой.
«Элитарное искусство»
Давайте вспомним, что часто говорят об «элитарном искусстве». Именно это было проклятием академического искусства несколько веков назад. Говорили, что он очень элитарный и не доступен для всех. Хорошо! Поехали! Сегодня самый популярный лозунг — «искусство для масс»! Давайте рассмотрим подробнее, что происходит на самом деле.
Происходящее является наиболее распространенным способом замены терминов и значений. Сегодня они любят менять термины и значения и еще больше запутывать людей ради собственной выгоды и удобства.
Что означал термин «элитарное искусство» в прошлом? Несколько веков назад термин «элитарный» означал мастерство художника, его владение материалом. Мне потребовались десятки лет, чтобы научиться писать картины. Люди тратили на это половину своей жизни, пока это не становилось смыслом жизни. Но сами произведения были максимально доступны. Так мастер учился годами, чтобы всего несколькими штрихами создать нечто изящное, красивое и понятное каждому, независимо от знаний зрителя. Даже уличный бомж может оценить такое произведение.
Так что же подразумевается под термином «элитарное искусство»? Все очень просто: поменяйте все местами, и вы получите ответ. Сегодня каждый может стать мастером, нужно только нанести краску, размазать ее по руке, а еще лучше по заднице, и вылить на лист бумаги, чтобы наша раздутая задница выглядела как толстый отпечаток на бумаге. И очень важно: не забудьте пнуть своего друга iPhone, заснять все действие и выложить в Instagram. Вот и все, шедевр сделан, автор стал популярным, мир оценил попсу. Рецепт очень простой и понятный. Любой может стать мастером за пять минут. Она не требует академической подготовки или многолетнего изучения композиции, цветоведения и анатомии. В конце концов, самые ценные работы сегодня — это наивные детские рисунки.
А что означают эти шедевры, спросите вы? Но ни один… Будьте честны и конфиденциальны, но тссс, вы не должны об этом говорить…. Если публика не уловила смысла, значит, автор настолько крут и гениален, что серая масса просто не в состоянии понять подтекст идеи. Потомки, вероятно, поймут это через много лет.
Теперь вы не можете сказать, что автор грязен, что он обеляет и тупо продает нам всем ересь под видом «элитарного искусства». Теперь вы, наверное, хотите сказать, что я недостаточно взрослый, чтобы понять.
Суть парадокса
Вот в чем парадокс. Искусство стало ближе к народу, доступным для творчества и в то же время очень далеким от понимания. Но невозможно провести различие между теми, кто создает высокохудожественные вещи, и теми, кто просто делает глупый рекламный трюк о скандале или обнаженном теле.
Искусство должно быть понятно без объяснений, особенно комментариев искусствоведов. В конце концов, они, искусствоведы, могут сделать шедевр из чего угодно. Я говорю вам это по секрету, как учитель рисования, но тссс, nobody…. Но нас интересует реальная стоимость той или иной работы. Вот почему для настоящего искусства достаточно названия. По крайней мере, необходимо описание, объясняющее миф, лежащий в основе произведения. Или для описания места, которое описывает автор. Или поговорить о человеке, который там изображен. Но иногда в этом нет необходимости, потому что сама работа достаточна, даже без названия.
Теперь опишите весь фон, что автор ел перед этим, что курил, как провел ночь, с чем встал утром, что почувствовал, когда сделал первый мазок кистью, и что именно повлияло на автора при выборе темы….. ну и т.д. Что чувствовал писатель, что он ел и как провел ночь накануне, что заставило его пройти….. Мы должны видеть все это в работе и понимаем это только тогда, когда видим картину или спектакль. И если это требует дальнейшего объяснения, зачем нам нужна эта работа, давайте оставим текст искусствоведу. Текст сам по себе красив и интеллигентен.
Есть группа людей, которые считают, что посещение выставок современного искусства — это пустая трата времени и денег. Напротив, это та категория, которая не интересуется искусством.
Важна концепция, а не объект
«Черный квадрат» стал символом нигилистического отрицания культурного богатства — веса, который набрало человечество». Казимир Малевич, создатель одноименной картины, перевернувший историю живописи своим творчеством и созданием супрематизма, сказал. Согласно концепции Ренессанса, картина была окном в мир, отраженным в пейзажах, портретах, натюрмортах и изображениях повседневной жизни — другими словами, реальностью. В 1915 году Малевич закрасил это окно черной краской. Это ознаменовало конец предыдущей и начало новой эры в искусстве. «Я рад, что избежал сомнительной тюрьмы академии», — сказал он, утверждая, что художник может быть творческим только в том случае, если формы его картин не имеют ничего общего с природой.
«Когда я открыл принцип redi-mades, я надеялся положить конец всей этой шумихе вокруг сенсаций. Но неодадаисты используют реди-мейды и пытаются найти в них эстетическую ценность. Я ставлю перед ними сушилку и писсуар как вызов, и они в восторге от их эстетической красоты», — так прокомментировал Марсель Дюшан, современник Малевича, реакцию публики на его экспонаты «Сушилка для бутылок» и «Фонтан» (писсуар с подписью «R. Mutt» (R. Fool).
С тех пор было много сказано о том, как писсуар Дюшана стал ключевым событием в мировом мире искусства и навсегда изменил его, и как само «произведение» считается одним из самых захватывающих и провокационных произведений искусства XX в. А почему? Потому что в данном случае речь идет об идее и концепции, а не о предмете. Это то, что дал Дюшан, вырвав обычный предмет из контекста и объявив, что он тоже является искусством. В своем творческом заявлении он заявил, что все может быть искусством — не стоит относиться к этому слишком серьезно. И он пошел дальше Малевича.
Представители современного искусства — художники, которые идут под знаменем Малевича и Дюшана и продолжают искать новые формы в искусстве, новый визуальный язык, проникают в реальную действительность, экспериментируют и вдохновляют других своими работами. Среди них Лучио Фонтана, Жан-Мишель Баския, Кит Харинг и Дэмиен Херст.
Марсель Дюшан
Зритель как соавтор
Почти любая «странная» картина может быть классифицирована как произведение современного искусства, но современное искусство — это не только живопись. Одна из его особенностей — необходимость присутствия зрителя, его эмоционального и/или интеллектуального участия. Джоконда» Леонардо да Винчи может существовать сама по себе, а «Физическая невозможность смерти в сознании живых» Дэмиена Херста (знаменитая акула) — нет. Также как и работы Олега Кулика «Человек-собака» или Марины Абрамович «Бабушкин перформанс арт».
В своих работах Абрамович исследует отношения между художником и зрителями, границы тела и возможности разума. Один из ее спектаклей — «Ритм 0» — был основан на желании увидеть, чего могут добиться люди, достигшие абсолютной власти над другими. Объектом изучения стала сама Марина, которая пригласила посетителей музея «делать с ней все, что они хотят». Она поставила перед ними стол с инструкциями, которые гласили: «На столе лежат 72 предмета, которые вы можете использовать по своему усмотрению. Выставка называется «Я — объект». В течение этого времени я беру на себя всю ответственность. Продолжительность: 6 часов». И хотя поначалу все было вполне безобидно, в ходе «помолвки» зрители воспользовались нежеланием экспоната зарезать ее, а один из присутствующих приставил к ее виску заряженный пистолет. «Я хотел показать: Удивительно, как быстро человек может вернуться в состояние пещерного человека, если ему это позволить. Опыт показывает, что вас могут убить, если вы оставите решение на усмотрение общественности», — прокомментировал художник.
Марина Абрамович
Атрибуция таких фигур объектам современного искусства показывает, что, как и любое значительное произведение искусства, они имеют
- значение,
- точку зрения,
- Риторическое разнообразие (наводит зрителя на дальнейшие мысли и впечатления),
- Исторический контекст (соответствие времени).
Актуальность — важный аспект, потому что новаторство, способность сделать новое художественное заявление в искусстве, является одним из критериев гениальности.
Важно понимать, что природа произведения искусства сегодня меняется. Если раньше это был объект, то теперь это опыт. Помимо различных направлений живописи, которые не нуждаются в четком определении, такие практики, как граффити, инсталляция, перформанс, активизм и видеоарт также считаются искусством. Активизм (Олег Кулик, Петр Павленский, ETI), например, вообще не ставит целью оставить объект: В его основе лежит символическое действие, которое вырвано из повседневного контекста и зачастую вызывает лишь недоумение и вопросы.
Современное искусство развивается такими темпами, что теоретики не успевают обосновывать и теоретически подкреплять возникающие формы, а вопрос о том, что такое современное искусство — это вопрос сложных философских определений.
Однако некоторые современные художники сами дают своему искусству такие определения. Японский художник Такаси Мураками, например, придумал термин «суперплоский», чтобы объяснить свой визуальный язык. «Я размышлял о реальности японского рисунка и живописи и о том, чем они отличаются от западного искусства. Для Японии важно ощущение самолета. В нашей культуре не существует трехмерных форм. Двухмерные формы, установленные в исторической японской живописи, связаны с простыми, плоскими изображениями современной анимации, комиксов и графического дизайна», — объясняет автор.
Рацио-эмоцио: оси реакции на предмет искусства
Современное искусство работает либо с эмоциональной, либо с интеллектуальной сферой зрителя, либо с обеими одновременно. Она призвана вызывать эмоции и тем самым побуждать к размышлению над увиденным. Или просто чувства — и это уже шаг к пониманию.
Яркий пример тому — активизм: перформанс «Бешеная собака» Олега Кулика, который впервые предстал обнаженным в виде человека-собаки перед изумленной публикой 23 ноября 1994 года. Название имело поэтическое продолжение: «Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером». Созданная им картина настолько впечатлила публику, что его имя знают даже те, кто никогда не интересовался современным искусством. Он стал символом времени и медийной личностью. Это доказывает: Задача современного искусства — вызывать эмоции.
Олег Кулик
То же самое относится и к живописи, где работы таких художников, как Джексон Поллок, Фрэнсис Бэкон или Марк Ротко, призваны вызывать эмоции. А также Маурицио Каттелан, чьи работы, несмотря на то, что они были в центре крупных скандалов, получают высокую цену на аукционах. Его «Девятый час», скульптура, изображающая фигуру Папы Римского, пораженного метеоритом, была продана за 3 миллиона долларов 13 лет назад. Другая, не менее известная работа Каттелана — восковая статуя молящегося Гитлера — была представлена на выставке классического искусства музея. Этой работой он хотел показать Германии ее самый большой позор и таким образом предложить шоколадную терапию ее исторического комплекса вины.
Такие произведения, вызывающие эмоции, побуждают к размышлениям о моральных, религиозных, философских и политических вопросах. Или же они просто оказывают мощное воздействие на эмоциональный мир.
Но есть и такие работы, которые в первую очередь направлены на интеллектуальное воздействие. Их сложнее понять непосвященному зрителю. Чтобы понять намерения художника, стоит узнать кое-что о нем самом и его восприятии. Иногда эта информация содержится в названии и примечаниях к произведению. Знаменитая акула Дэмиена Херста, например, называлась «Физическая невозможность смерти в сознании живых». Работа, проданная за 12 миллионов долларов, представляет собой настоящую тушу акулы в формальдегиде, заключенную в прозрачный куб. С одной стороны он неподвижен, с другой — его рот широко открыт, как будто он хочет проглотить зрителя. Его название, глубокое и парадоксальное, отсылает к теме смерти, вечной теме в искусстве. Его корни уходят в Средневековье: Начиная с мертвого Христа Андреа Мантеньи, все художники эпохи Возрождения и позже рисовали в разных вариациях сход с креста, распятие, оплакивание — Пьета. Рембрандт также обращался к теме смерти в своем творчестве и создал картину с изображением быка Сфайо. Она стала источником вдохновения для современного художника Фрэнсиса Бэкона, который пошел дальше.
Дэмиен Херст
Другой пример гениального произведения — знаменитые вырезы Лучио Фонтана. Сегодня его красочные полотна можно увидеть в каждом музее современного искусства, а также на серьезных художественных выставках. Некоторые работы имеют только один разрез, другие — несколько. Его работа «Пространственная концепция — Ожидание» стоила 1,5 миллиона долларов. С одной стороны, это кажется странным: в чем смысл и почему они так высоко ценятся? Чтобы понять их, нужно вникнуть в замысел художника. Сам Фонтана называл разрезы concetto spaziale — «пространственная концепция». Действительно, большинство его работ носят это имя. Таким образом, он дает понять, что, вскрывая плоскую поверхность и связанное с ней движение на ее обратной стороне, создается новое пространство. Работа с этим понятием позволяет открыть новые аспекты реальности: они становятся понятными благодаря их явному представлению — смысл соответствует контексту. И здесь очень показателен пример Лучио Фонтана.
Вопрос понимания современного искусства выходит за рамки субъективной оценки «нравится/не нравится», но мало кто может дать четкие советы и рекомендации, понятные обывателю. Мы проанализировали соответствующую литературу и составили краткий обзор, чтобы сделать первый шаг к пониманию современного искусства.
Книги
«Искусство смотреть», Оссиан Уорд.
Эта книга искусствоведа Оссиана Уорда посвящена искусству после 2000 г. Автор намеренно избегает традиционного хронологического подхода. Каждая глава посвящена определенному способу восприятия или понимания искусства: например, «Искусство как послание», «Искусство как шутка» или «Искусство как медитация». Книга написана очень живым и понятным языком, а подборка работ демонстрирует разнообразие практик, форм и методов современных художников. «Новые медиа в искусстве», Майкл Ра
Книга для всех, кто любит новые технологии и хочет знать, как с ними работают художники. В книге Раша всего четыре главы — «Медиа и перформанс», «Видеоарт», «Жанр видеоинсталляции» и «Цифровые технологии в искусстве». Здесь американский искусствовед обобщает самое важное, что вам нужно знать об этапах развития визуального искусства во второй половине ХХ века. Вы найдете множество примеров произведений, которые сегодня считаются классикой.
«Авангард на выставках. Новое искусство в двадцатом веке». Брюс Альтшулер.
Если вы готовы отправиться на экскурсию по знаковым выставкам первой половины двадцатого века, книга Брюса Альтшулера будет полезна. Это хороший хронологический обзор важных событий в современном искусстве. От работ фовистов на Осеннем салоне в Париже в 1905 году до легендарной выставки «Когда позиция становится формой» в Нью-Йорке в 1969 году.
«Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм».
Это, по сути, библия для современных художников. Авторы — уважаемые западные критики Хэл Фостер, Розалинд Краусс, Ив-Алена Буа, Бенджамин Х. Д. Бухло и Дэвид Джослит. Работа для подготовленного читателя, владеющего терминологией и контекстом современного искусства. Книгу следует читать умеренно и рассматривать скорее как энциклопедию, которая поможет вам сориентироваться в запутанной истории художественных направлений и биографиях знаменитых художников. Единственное, чего вы в ней не найдете, — это история не-арта и био-арта.
«Уголок несоответствия». Школы нонконформизма. Москва-Ленинград 1946-1991″ Екатерины Андреевой.
Эта книга важна для понимания контекста искусства нонконформизма. Искусство нелегальности, возникшее как знак сопротивления официальной повестке дня и идеологии, а также визуальному языку социалистического реализма. Повествование Андреевой содержит множество интересных деталей, цитат и выдержек не только из художественной, но и из повседневной жизни конформистов.
Автопортреты в истории искусства. Ясумаса Моримура. 2016. любезно предоставлено художником и Луринг Августин, Нью-Йорк.
Ссылки
Telegram-канал для новостей искусства, от картин о Brexit до планов нового шпиля для Нотр-Дама. Обратите внимание, что здесь нет анонсов мероприятий. Просто краткая информация о том, что происходит в мире. И мало что написано о российском контексте.
В отличие от блога «Арт-камера» — или «Экстра» — здесь часто сообщается о событиях в Москве и Санкт-Петербурге. На этом канале вы можете следить за последними выставками и лекциями. Иногда там есть ссылки на интересные статьи. И, конечно же, анонс новых номеров самого журнала «Искусство».
Об этом рассказывают молодые искусствоведы Александра Старусева-Першеева, Антон Дежурко и Мария Калинина. Все, что вам нужно знать об основных этапах развития искусства — скульптуры, живописи, графики — и архитектуры, от античности (Греция и Рим) до первой половины 20-го века.
Хорошим дополнением к курсу истории искусств ВШЭ будет эта подборка материалов по Арзамасу. Наряду со статьями об основных движениях — модернизме, авангарде, соцреализме, концептуализме — вы узнаете, как художники конструируют объекты, инсталляции и readymades и используют их в своей работе. И что отличает действие от представления или события. После прослушивания видео- и аудиолекций ваша память будет проверена.
Что нужно знать» в архиве журнала OpenSpace.
Подробный анализ работ крупнейших современных художников, чьи имена вы, возможно, никогда не слышали, но должны знать. Здесь есть списки наиболее важных работ каждого автора и полезные ссылки по теме. Этот раздел редактируют искусствоведы Екатерина Деготь и Дэвид Рифф — что для некоторых представителей арт-сцены звучит как гарантия качества.
Фильмы
Способы видения (1972)
Легендарный британский телесериал, созданный искусствоведом Джоном Бергером. Позднее серия превратилась в одноименную книгу, которая некоторое время назад была переведена на русский язык. Поэтому вы можете выбрать более удобный для вас формат. Бергер исследует связь между классическим искусством и современным визуальным искусством и объясняет, каковы отношения между медиумом и изображением. Подробнее о содержании серии можно прочитать здесь.
Покиньте магазин подарков (2010).
Фильм Бэнкси рассказывает о том, как создается уличное искусство. Что здесь является фактом, а что вымыслом — вопрос спорный, как и биография самого художника. Это история француза, который владеет сувенирным магазином, фотографирует уличную жизнь и встречается с художниками граффити. Однажды он встречает Бэнкси, лицо которого не видно зрителю, и… из документалиста и свидетеля сам месье Гетта становится создателем граффити — Mr Brainwave.
Ай Вэйвэй: Никогда не извиняйся (2012)
Документальный фильм американской журналистки Элисон Клейман, которая снимала художника Ай Вэйвэя в течение трех лет. Ай Вэйвэй известен не только своими остроумными и провокационными работами, но и открытой оппозицией китайским властям. Власти временами запрещали его блог, разрушали его личную студию и незаконно лишали свободы самого художника. В этой кинематографической биографии есть моменты осознания, семейные трудности и испытания на прочность.
Живопись художников (1973)
Богатая двухчасовая коллекция интервью с ключевыми представителями американской арт-сцены 1970-х годов под руководством Эмиля де Антонио. Интервью в прямом эфире с Фрэнком Стеллой, Джаспером Джонсом, Виллемом де Кунингом, Энди Уорхолом и другими. Многие из них были опрошены еще до того, как их узнали.
Теперь вы не можете сказать, что автор грязен, что он обеляет и тупо продает нам всем ересь под видом «элитарного искусства». Теперь вы, наверное, хотите сказать, что я недостаточно взрослый, чтобы понять.
Шаг 5. Правильно организуйте посещение музеев
Не пытайтесь посетить все работы в музее. Если вы хотите посетить постоянную выставку, заранее выберите 5-7 работ, которые вы хотите увидеть. Если это не выставка, ориентируйтесь на свои ощущения. Поставьте себя перед произведениями, которые вызывают у вас эмоции.
Кэрин Юрик. Сила воли. 2014 г. Частная коллекция. Pinterest.co.uk.
Прочитайте таблички на каждой выбранной работе. Очень часто название раскрывает замысел художника. Также важно знать, когда была создана работа (и на какие события реагировал художник) и из какой страны художник.
В 2010 году Ай Вэй Вэй заполнил семенами огромное пространство в Тейт Модерн (Лондон). Каждая из них (100 м) сделана вручную из глины! Если вы заметите, что художник из Китая, работа читается особенно четко, вы согласитесь.
Ай ВэйВэй. Семена подсолнечника. Инсталляция в Тейт Модерн в Лондоне в 2010 году. pagetravel.co.uk.
Шаг 6. Найдите проводника в мир современного искусства
Подпишитесь на этого блогера, который рассказывает о современном искусстве в простой и доступной форме. Он может помочь вам расшифровать послания современных художников или побудить вас искать за ними смысл.
Если вы застряли на первом шаге, расслабьтесь. Продолжайте изучать старых мастеров. И однажды современное искусство позовет вас. С синей лаковой краской Кляйна или пятнами слез Ротко.
Ив Кляйн. Антропометрия: принцесса Елена. 1960 г. Музей современного искусства (МОМА), Нью-Йорк. Yandex.ru.
Если вам нравится мой стиль изложения и вы заинтересованы в изучении живописи, я могу выслать вам по электронной почте бесплатный курс. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей можно найти ниже, они часто являются хорошим дополнением к статье. Вы также можете поделиться своим мнением о картине и художнике и задать вопрос автору.
Похожее
15 комментариев к “Как понять современное искусство. 6 шагов от ненависти до любви”
После очередной громкой новости о том, что современное искусство разрушено, потому что люди не знают, что такое искусство («Три фигуры»), я решил еще раз попытаться понять, что же такое современное искусство на самом деле. Единственное, что я понял из статьи, это то, что современное искусство — это не искусство, а девиантное выражение чувств. Плесните кетчупом на стену, назовите это «некомпетентным гневом», и вот оно, современное «искусство»! Я готов посмотреть на это с другой стороны, но тогда всем этим «произведениям» место в психушке для душевнобольных, а не в престижных галереях. Почему бы так называемым «художникам» не выразить свои чувства и реакции более подходящим и понятным способом? Почему необходимо прочитать сопроводительную табличку, чтобы понять, что имел в виду художник? Есть ли тогда вообще смысл в самом произведении, если весь смысл в табличке? Я очень хорошо понимаю классическое искусство, потому что можно буквально «прочитать», что хотел сказать художник своей работой. И представьте себе все эмоции и реакции! Но можно ли смотреть на так называемое современное искусство, когда какой-то мусор (инсталляция «Где мы будем танцевать сегодня?») или банан, приклеенный к стене скотчем («Комедиант»), выдается за нечто ценное? Вне контекста «современного искусства», вне выставочных стен, это мусор («Слишком много, слишком много» Хиршхорна — это груда коробок) и безумие, чего не скажешь о классике. Вы бы назвали репродукцию Canal Grande работы Canaletto, которую вы видите на стене вашего соседа, хламом? Представьте, что ваш сосед-алкоголик приклеил банан к стене скотчем. Стал ли он художником? Или искусствовед? Нет, вы, вероятно, думаете, что он заразился «беличьей болезнью» и что пора вызывать скорую помощь….. Еще больше вопросов вызывают необоснованные цены на «современное искусство» и тот факт, что произведения оцениваются в соответствии с их реальной стоимостью, а не реальной ценой. В конце концов, если вы, например, едите суп из банки и бросаете его в угол, что это такое? Это просто чушь! Чушь и ничего больше, обсуждать нечего, это всего лишь грязный кусок жести. Но если наклеить на него надпись, например, «последний ужин», и повесить табличку с ценником в 15000 долларов, то этот хлам тут же превращается в современное «искусство»! Где в этом логика? И ладно, сам «создатель» достаточно безумен, чтобы выражать свои мысли через хлам, и он, естественно, устанавливает на него непомерно высокие цены, но кто эти «одаренные» люди, которые будут покупать этот хлам за такие деньги? Как это возможно, что у них достаточно мозгов, чтобы заработать столько денег, но они полностью теряют рассудок, когда видят прилепленный к стене банан и платят за него 120 000 долларов! Спасибо Оксана за статью, но похоже, что я никогда не пойму современное искусство. И поскольку все эти «проекты» ассоциируют меня только с каким-то клубом психического здоровья, то, наверное, это к лучшему, потому что я не хочу платить 120 000 долларов за банан на стене, я точно не из них.
Точно… В любом случае, спасибо вам за ваши статьи. Когда вы знаете мнение другого человека, вы видите привычные вещи по-другому и узнаете их с другой стороны.
Чем отличается современное искусство от другого ?
Арт-бизнес, то есть покупка и продажа современного искусства и картин, основан на важнейших принципах рынка, самый главный из которых гласит: у кого есть деньги, тот и устраивает шоу. Получается, что мнение искусствоведов имеет второстепенное значение. А спрос и потребности клиента стоят на первом месте. Это не хорошо и не плохо, это просто сегодняшняя реальность, которая означает, что тенденции определяются теми, кто покупает искусство.
Современное искусство — скульптура на картине
Фотография представляет собой отрывок из видеообзора выставки современного искусства в Каннах/2017.
Современное искусство сродни моде: важно поймать волну, угадать, что сейчас актуально. Покупатель хочет приобрести декоративную картину из золота и переходит из одного выставочного пространства в другое, чтобы найти, как герой старой кинокомедии, «халат с перламутровыми пуговицами».
Здесь художник отмечает востребованность сусального золота в живописи. Кстати, позолота часто используется в живописи, в чем вы можете убедиться на видео Monaco Review. Я также люблю этот материал и использую его в своих картинах, например, для золочения. Не только в живописи, но и в витражах и декорировании мебели. Примеры моих работ можно увидеть в галерее в соответствующем разделе.
Конечно, на рынке появятся декоративные картины с позолотой, так что покупатель будет рад забрать упакованную картину с собой домой.
ВЫВОД: Выбор произведений искусства широк, на любой вкус и бюджет. Более того, я замечаю, что многие художники и скульпторы-любители вышли из тени и продаются не хуже профессионалов. На выставках многие признаются, что, например, скульптура изначально была просто хобби, а потом один человек настолько увлекся, что захотел поделиться своим творческим миром со зрителем.
Если вы посмотрите на историю искусства, было какое-то направление, например, барокко, и художники эпохи Возрождения писали в этом стиле. Можно сказать, что каждый период имеет свой стиль, своего рода тренд, но сегодня такого нет.
В наше время каждый художник старается выразить себя и сделать что-то, что никогда не было сделано раньше. Мы можем разделить их на два основных направления:
- Художники-исследователи, особенно те, кто стоял у истоков новых движений и стилей (кубизм, арт-поп, авангард, минимализм). Как правило, автор прибегает к метафорам, интерпретирует реальность своими мыслями
- Художники, которые выражают эмоции, чувства, переживания, т.е. самих себя. Мы находим их как у модельеров, так и в кино. Любители моды и кино согласятся с этим. Искусство ради искусства — таков девиз.
Эволюция творческого мышления продолжается — возможно, в этом и заключается смысл современного искусства?
Мое видео Выставка современного искусства Монако / август 2020 — об искусстве, Монако и туннелях.
Друзья, чтобы эта статья не затерялась в массе похожих статей, сохраните ее в закладках. Таким образом, он всегда будет у вас под рукой, когда понадобится.
Современное искусство сродни моде: важно поймать волну, угадать, что сейчас актуально. Покупатель хочет приобрести декоративную картину из золота и переходит из одного выставочного пространства в другое, чтобы найти, как герой старой кинокомедии, «халат с перламутровыми пуговицами».
Современное искусство: что это такое и как понять?
Новое и непонятное тревожит и отталкивает, поэтому зрителю зачастую проще обратиться к традиционной живописи, чем пытаться расшифровать послание современного художника. В то же время интерес к современному искусству растет с каждым годом.
«Коронация Цезотерики» Часть V, автор Твомбли Сай.
Но одно дело — посещать выставки, чтобы быть в курсе, а другое — действительно наслаждаться видом, расширять свой кругозор и смотреть на привычные вещи под другим углом. Как это сделать, если вы не можете отличить картину известного художника от детского рисунка, но при этом впечатлены ценностью черного квадрата Малевича?
Мы объясним вам, что такое современное искусство, и дадим экспертные советы о том, как начать его понимать.
Современное искусство — это.
На этот вопрос нет четко сформулированного ответа. Одни считают, что это произведения, созданные за последние 100 лет, другие полагают, что в эту категорию попадает искусство, созданное за последние два десятилетия.
Девочка с воздушным шаром» Пабло Пикассо
Поэтому мы можем с уверенностью сказать, что:
- Все классическое искусство было современным в момент своего появления. Кстати, Эрмитаж изначально был также галереей современного искусства,
- В конце 19 — начале 20 века жанровая живопись вступила в кризис: с появлением фотографии, радио и киноиндустрии традиционные правила и нормы искусства исчезли, а картины перестали быть объектами отображения реальной жизни.
«Нападение на джунгли» Руссо Анри.
Картинная плоскость стала открытым «холстом», пространством для нового визуального языка, позволяющего по-разному передать идеи, характеризующие современную реальность. Это также изменило восприятие картин зрителем.
В этот период возникли постимпрессионизм, примитивизм, кубизм, футуризм, супрематизм, дадаизм, сюрреализм, абстрактный экспрессионизм, поп-арт, концептуальный дизайн, минимализм и постмодернизм.
«Постоянство памяти», автор Сальвадор Дали.
Следующее крупное изменение в мире искусства произошло в последние несколько десятилетий. Благодаря современным технологиям в распоряжении художника появилось множество новых инструментов для представления своих идей в самых разнообразных формах.
Его визуальный словарь теперь состоит из повседневной реальности и виртуальной реальности, что позволяет ему создавать не только изображения, но и многочастные произведения, включающие видеоарт, живопись, инсталляцию, перформанс и т.д. Линейное восприятие стало многослойным и многогранным, изображение обрело свободу в визуальном восприятии, а значит, вновь изменилась перспектива зрителя.
Частично уничтоженная в эсминце «Девочка с воздушным шаром» Бэнкси.
Как понять современное искусство?
Вопрос понимания современного искусства выходит за рамки субъективной оценки «нравится/не нравится», но мало кто может дать четкие советы и рекомендации, понятные обывателю. Мы проанализировали соответствующую литературу и составили краткий обзор, чтобы сделать первый шаг к пониманию современного искусства.
Исторический контекст
Уилл Гомпертц в своей книге «Непонимание искусства» предлагает взглянуть на искусство через призму времени. Он утверждает, что произведения современного искусства отражают события в мире и отношение к ним художников, поэтому, чтобы понять их, нужно прежде всего знать историю. По словам бывшего директора лондонской галереи Тейт, «дело не в том, чтобы судить, хорошо искусство или нет, а в том, чтобы понять его эволюцию от классики Леонардо до сегодняшних стандартных акул и грубых кроватей», и «все, что нужно для понимания основ, можно найти в предлагаемой истории последних 150 лет, когда искусство изменило мир, а мир изменил искусство».
Второй компонент понимания — принять правило, что современное искусство нельзя понять или кратко объяснить за чашку кофе.
Влюбленные», автор Магритт Рене
В потоке времени
Оссиан Уорд на страницах своей книги «Искусство видеть. Как воспринимать современное искусство» он рассматривает проблему восприятия работ современных художников несколько иначе. Вместо этого автор призывает нас сначала выйти из общего исторического контекста и посмотреть на каждое произведение с чистого листа через призму собственных чувств. По его мнению, в нашем мире, где время идет быстро, а информационный шум преследует нас круглосуточно, отбираются только самые сильные работы, достойные нашего внимания, а одним из важнейших навыков современного зрителя является умение смотреть на каждую работу так, как будто встречаешь ее впервые. Так называемое искусство взгляда, или метод tabula rasa. T — терпение, A — ассоциация, B — фон, U — усвоение, L — другой взгляд, A — анализ. Только в письме B, третьем шаге, Уорд предлагает обратиться к биографии художника, а не ко всей истории искусства, чтобы найти ключи к пониманию.
Оссиан Уорд рассказывает: «Старая рутина — не прикасаться к работам, уважительно и молча рассматривать экспонаты по очереди — тоже ушла в прошлое, теперь вас могут попросить принять непосредственное участие, взаимодействовать или остановить работу».
Инсталляция «Не кричи: «Волки!», художник Цай Го-Цян.
Многогранность
Для понимания современного искусства может быть полезен метод художника Саймона Морли, который разработал технику восприятия и рассказывает о ней в своей книге «Семь ключей к современному искусству».
По его словам, произведения искусства следует рассматривать целостно в семи рамках:
